Islandia

Recomendada para jóvenes perdidos, entusiastas pro yankee y pesimistas natos


Un joven islandés viaja a Estados Unidos para buscar a su madre. Sabemos que es de Islandia porque así se sugiere en el título, y porque nos cuenta que ha salido de la isla debido a la gran crisis económica vivida en el territorio en 2008 que llevó a la quiebra a los principales bancos y que hizo que miles de ciudadanos abarrotasen las calles en grandes manifestaciones. Este viaje se presenta como el de una ola al centro del tsunami, del país arruinado a la cuna del éxito y la caída más cruel, el camino iniciático de un joven inocente y confiado.

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Islandia, de la dramaturga Lluisa Cunillé y dirigida por Xavier Albertí, ha sido una de las últimas propuestas exhibidas en el Teatro María Guerrero del Centro Dramático Nacional. Tras una escena inicial algo floja, situada en Islandia, y que despista al espectador, la obra remonta según vamos siguiendo al joven por su periplo por Nueva York. El muchacho protagonista, con aires dickensianos, llega a la ciudad de las oportunidades y se enfrenta cara a cara con la cruda realidad. Miseria, estafas y desolación son la verdadera fisonomía de la supuesta tierra del éxito, un camino que discurre en paralelo al del descubrimiento de la edad adulta y de sus desengaños.

Los actores en escena, Joan Anguera, Lurdes Barba, Paula Blanco, Juan Codina, Oriol Genís, Jordi Oriol, Albert Pérez, Albert Prat, Lucía Quintana y Abel Rodríguez, realizan una interpretación correcta, comedida y pausada. Sin embargo, hay algo que no convence al público. Los elementos no están cohesionados, la historia no engancha, y la manera en la que está contada no consigue trasladar un mensaje que a priori parece muy atractivo.

Si hay un aspecto que destaca en este montaje es la escenografía de Max Glaenzel. La recreación de una estación de metro, de una perrera, de Wall Street o de una iglesia, todo ello en el mismo espacio, resulta hipnótica, cinematográfica y adquiere un protagonismo propio. Cuenta mucho más que lo que quizá intenta trasladarnos la historia y el trabajo de los intérpretes. Eso sí, debido a la profundidad y diferentes elementos en escena, dependiendo de la butaca que ocupe el espectador, puede que se pierda muchos de los interesantes detalles del decorado, como pueden ser las pantallas que reflejan irónicamente típicos mensajes motivadores americanos. Esta parte formal sobresale del resto gracias también a la iluminación de Ignasi Camprodon, al vestuario de María Araujo y al sonido de Lucas Ariel Vallejo.

Los que se acerquen por primera vez a un texto de Cunillé con el ánimo de descubrir una de las propuestas de la dramaturga premiada con galardones como los premios de la Crítica de Barcelona al mejor texto en el año 1994 por “Libración”, en el año 2000 por “Passatge Gutenberg” y en el año 2008 por “Après moi, le déluge”, quizá salen un poco decepcionados. El conjunto flojea en esta ocasión. Pese a que hay escenas potentes que dejan vislumbrar las posibilidades dramáticas, el balance general no resulta tan positivo como se espera.

Mi puntuación 2/5

2estrellas

Estela Cayón

Un idioma propio

 Recomendada para atrevidos, políglotas e intérpretes experimentados


Víctor Velasco presenta en el teatro María Guerrero de Madrid una propuesta teatral que deja indiferente a muchos, reflexivo a otros tantos y entusiasmados a unos pocos. La lectura del programa de mano aclara bastante lo que uno va a presenciar, así que quizá es recomendable no pasarlo por alto. En caso contrario, la sensación de pérdida y desorientación al presenciar la representación de ‘Un idioma propio’, texto de Minke Wang, puede ser aguda.

Pongámonos en situación. Una familia china, oprimida por el régimen comunista, llega a España. Y se convierten en expatriados. Ya no son ni de aquí ni de allí, no se sienten identificados de ningún mundo, y deambulan en el limbo de incomprensión. La importancia del lenguaje para la vida en sí y el sentido de pertenencia u acogida en determinado territorio es vital, y así nos lo muestran los actores y movimientos en escena.

Que nadie se espere una línea narrativa y figurativa de la historia de esta familia. Las metáforas y símbolos componen este espectáculo, y son la base de las interpretaciones de los cinco actores en escena. A la vez, Claudia Faci, vestida de calle y como si fuera una espectadora más, ajena a la obra, va recitando con tono de leyenda frases que están llenas de errores, palabras equivocadas y ciertas “invenciones” que muestran la dificultad de adquirir el lenguaje ajeno, de usarlo y de interiorizarlo como propio. Esa voz, la de Faci, que ya nos introdujo en el lorquiano ambiente de la adaptación que Pablo Messiez hizo recientemente de ‘Bodas de Sangre’, hipnotiza y envuelve la sala, a veces dando claves, otras confundiendo intencionadamente al espectador.

El sexo como motor de un lenguaje universal es quizá otro punto destable de la obra, o esa es una de las posibles interpretaciones de la interesante representación del encuentro que mantienen dos de los personajes. Los cinco intérpretes, Sara Martín, Ji A Yu, Huichi Chiu, Wenjun y Xirou Xiao, tienen una tarea difícil. Su función no está clara y el público confundido les cuestiona veladamente durante toda la representación.

La música juega también un papel fundamental. José Pablo Polo la compone en directo. Ya sea a través del ordenador o con su guitarra, estamos ante otro elemento de comunicación trascendental. El ritmo de la música, del cuerpo, de la respiración y en definitiva de la vida es común y global.

La propuesta, enmarcada en el movimiento verbicovisual (comunicación no-verbal en colaboración con la significación de la palabra), no deja indiferente. Quizá el espectador es el extranjero en esta obra, y por eso se siente tan perdido. No entiende nada, se asusta, empatiza con el expatriado y, de repente, todo cuadra.

Mi puntuación 3/5

Estela Cayón

El concierto de San Ovidio

Recomendada para todos los que se divierten con los chistes fáciles de los programas más burdos de la televisión, o con las tontadas del Whatsapp más despectivas


Una sale de ver ‘El concierto de San Ovidio’ que se representa estos días en el Teatro María Guerrero con la sensación que produce el buen teatro. Con una factura clásica, la versión que Mario Gas ha desarrollado sobre el texto de Buero Vallejo conmueve e inspira a partes iguales. Además, destaca la labor de dinamizador de la profesión de actores que ejerce un medio como el teatral que no da tanta importancia a las caras conocidas, a la juventud y a la belleza. ¿Se imaginan una propuesta similar para televisión? Dudo mucho de la credibilidad de ciertos personajes representados por las caras más populares y jóvenes del panorama televisivo. El teatro, más allá de ciertas producciones que justo intentan explotar el poder mediático de algunos personajes, es el lugar perfecto en el que encontrar lo mejor del arte de la representación.

Volvamos a lo que nos ocupa, ‘El concierto de San Ovidio’ de Buero Vallejo. Resulta que estamos ante uno de los grandes autores teatrales españoles del siglo XX, o al menos de la segunda mitad, y apenas es representado en nuestro país. Dicen por ahí que se debe al celo con el que su familia revisa cualquier adaptación. Sea como fuere, este es quizá el año de la reposición de sus textos y de su puesta en valor. Esta versión de Mario Gas y la que La Joven Compañía está realizando sobre ‘En la fundación’ coinciden en el tiempo en la cartelera madrileña, tras muchos años sin ninguna puesta en escena de obras del autor.

La trama de esta propuesta versa sobre un grupo de ciegos que viven en un hospicio en París en el año 1771 y mendigan para sobrevivir. Un empresario, Valindín, les recluta para que formen una orquesta, la primera orquesta de ciegos, y desarrollen un espectáculo para el público que se acerque a las celebraciones de la fiesta de San Ovidio. Lejos de intenciones de ayuda a la inserción o simplemente compasivas, Valindín lo que quiere es montar un show de mofa y divertimento con unas personas a las que la sociedad de la época tenía completamente marginadas.

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Lo sorprendente es que este espectáculo es acogido con gran interés por el público que, en masa y bajo la euforia de las celebraciones y el alcohol, se mofa de los pobres infelices que no tienen una oportunidad mejor en la vida. Pese a que quizá a día de hoy nos parece que tratar a personas ciegas como carne de exhibición sería imposible, vemos claros ejemplos trasladables a nuestros días en el que ciertas peculiaridades sirven generan “divertidas” burlas o las personas más excéntricas son expuestas en peregrinos programas de altas audiencias para el regocijo de todos.

La marginación y los límites del humor son dos temas que remueven al espectador en esta propuesta por otro lado amable de ver y entrañable. Reírse de un ciego, de un negro, de un gay o de cualquiera a la que esa gente de risa fácil considera “no normal” es sin duda una de las peores muestras de falta de empatía de una persona. La risa en ciertas ocasiones solo sale si uno se posiciona en superioridad moral frente al objeto de la mofa porque, si no, es imposible. Todas las ideas son probablemente susceptibles de ser tratadas con humor, pero humillar a una persona para que las otras rían es simplemente crueldad.

14 actores y actrices forman el elenco de esta producción. José Luis Alcobendas, Lucía Barrado, Jesús Berenguer, Mariana Cordero, Pablo Duque, Nuria García Ruiz, Javivi Gil Valle, José Hervás, Alberto Iglesias, Lander Iglesias, Ricardo Moya, Aleix Peña, Agus Ruiz y Germán Torres desarrollan un trabajo muy cuidado. Sobresalen las interpretaciones de los personajes ciegos, muy logradas. La escenografía también es interesante, con paneles que se mueven y van conformando los diferentes ambientes. El video, por su parte, cuando añade personajes y acción a la propia historia queda un poco impostado, aunque se entiende la necesidad en una obra que ya tiene más de una docena de actores en plantilla.

‘El concierto de San Ovidio’ no solo habla de la marginación, sino que también reflexiona acerca de la lucha de clases y la justicia. Además, muchos ven implícita una crítica velada a la dictadura franquista (momento en el que fue escrita) en la metáfora de los ciegos protagonistas. La versión de algo más de dos horas que podemos ver en el Teatro María Guerrero hasta el 20 de mayo es una estupenda oportunidad de acercarse a la obra de uno de los dramaturgos españoles más interesantes, el autor de la conocida ‘Historia de una escalera’ y premio Cervantes en 1986.

Mi puntuación 4/5

4estrellas

Estela Cayón

 

Juegos para toda la familia

Recomendada para psicópatas, sádicos y para todos aquellos que reconocen en sí mismos todo lo bueno y lo malo del mundo


‘Juegos para toda la familia’ es fruto de la labor de investigación teatral del Laboratorio Rivas Cherif, del que ya hemos hablado en otras ocasiones en este blog. La advertencia inicial: “La obra contiene escenas y expresiones que pueden herir la sensibilidad del espectador” pone a todos sobre aviso. Es más, quizá suena un poco exagerada, salvo para las mentes más obtusas. Lo que sí queda claro desde el principio es la intención de su autor del texto, Sergio Martínez Vila, de hacernos reflexionar acerca de las relaciones de poder y sometimiento entre las personas más pobres y las más ricas del mundo, de toda la violencia y degeneración que se encuentra a nuestro alrededor, y de cómo el ser humano es a veces insaciable en sus más detestables instintos.

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Dirigido por Juan Ollero, este montaje nos cuenta la historia de una familia rica y poderosa, cuya influencia se remonta siglos atrás, que al tener todo lo imaginable disponible a su alcance traspasa cualquier frontera moral para satisfacer sus ansias violentas, sexuales y de entretenimiento. En escena vemos a tres de sus miembros: Papá, interpretado por Miquel Insua, Mamá, por Lola Manzano, y el Nene, en manos Daniel Jumillas. Los tres logran desde el inicio colarse en nuestra imaginación y darnos miedo, aun en los primeros minutos en los que no tenemos claro qué está pasando. Les acompaña la Nana, encarnada por Mercedes Castro, que sirve y facilita todo lo que sus señores desean. Y pronto aparecen Hani y Sami, dos refugiados sirios que la familia ha conseguido para entretenerse. Lolo Diego y Ángela Boix les dan vida y sus interpretaciones destacan por encima del resto, quizá porque logran que sin entender lo que dicen sepamos claramente lo que intentan transmitirnos.

Aunque a ratos la propuesta flojee con excesivas explicaciones en el texto y algunas interpretaciones titubeantes, ‘Juegos para toda la familia’ engancha y te envuelve como el mejor thriller. Gran parte de este éxito se debe a la escenografía y vestuario de David Orrico, que recuerda a Funny Games de Michael Haneke. Colores planos y fríos, así como líneas rectas, asfixiantes, inquietantes y perturbadoras.

‘Juegos para toda la familia’ puede verse en Madrid en el Teatro María Guerrero del Centro Dramático Nacional hasta el 30 de diciembre. Un buen y sádico plan para salir de golpe del ambiente navideño consumista y, al menos, poder reflexionar acerca de las atrocidades del mundo más allá de los anuncios sensibleros que las ONG emiten estos días en la televisión o de las campañas de recogidas de alimentos que están pensadas más para satisfacer el ego de quien ayuda que para solucionar ningún problema.

Mi puntuación 3/5

3estrellas

Estela Cayón

In memoriam. La quinta del biberón

Recomendada para antibelicistas y para todos aquellos que saben que las guerras son siempre injustas y despiadadas, sea cual sea el bando elegido

 


Resulta curioso que una obra protagonizada al completo por soldados, enmarcada por discursos y cantos que alientan a la guerra y complementada con música bélica se convierta en un himno claramente antibelicista. ‘In memoriam. La quinta del biberón’ cuenta la historia de 30.000 jóvenes de unos 17 años que durante la Guerra Civil española fueron llamados a formar parte del ejército defensor de la República y puestos en primera línea de fuego en una de las batallas más decisivas de la contienda, la batalla del Ebro.

A mediados de 1938, las tropas franquistas dominaban gran parte de la península y tras las numerosas bajas se reclutaron de manera forzosa a todos estos jóvenes. En base a testimonios de supervivientes recogidos por Lluís Pasqual, creador del texto y director del espectáculo, la obra nos muestra la historia de 6 de ellos, como ejemplo de las múltiples vidas truncadas y desbaratadas por la contienda.

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Los jóvenes actores Joan Amargós, Enric Auquer, Quim Àvila, Eduardo Lloveras, Lluís Marquès y Joan Solé, de la Kompanyia Lliure, les dan vida. De manera excelente, nos permiten viajar desde el momento en el que les reclutan, mostrándonos sus inquietudes y proyectos vitales, pasando por los tiempos de compañerismo y convivencia antes de la batalla, hasta el trágico final de la lucha perdida, la muerte, la huida y el salvajismo.

Les acompañan en escena seis especialistas en música barroca que ponen banda sonora en directo a cada parte de la obra, quizá la mejor forma de transmitir los sentimientos de las personas en este tipo de situaciones. Y como telón de fondo aparece un cuidado trabajo de videoescena que sitúa a los personajes e introduce a la vez las manifestaciones reales de los dirigentes de ambos bandos. La escenografía e iluminación están tan cuidadas que logran que el público se atrinchere directamente con los protagonistas.

Se trata de un texto que nos recuerda que mientras que los ideólogos alientan el combate, siempre desde la retaguardia, los que pierden suelen ser los de siempre. Escojan el bando que escojan. Puede que el exilio de muchos políticos e intelectuales republicanos fuera una gran condena para ellos, sin duda, pero los miles de muertos por una guerra que se veía perdida, los jóvenes forzados a luchar por un trozo de tierra, fueron los verdaderos perjudicados en esta historia. Ellos y todas sus familias. Tanto los que perdieron la vida como los apresados o confinados en campos de concentración a su huida, tuvieron sin duda peor suerte.

descarga-1‘In memoriam. La quinta del biberón’ se puede ver en el Teatro María Guerrero del Centro Dramatico Nacional en Madrid hasta el próximo 12 de marzo. El martes 7 de marzo, a las 19.00, se realizará un encuentro con el público de acceso gratuito.  No se la pierdan.

Mi puntuación 4/5

4estrellas

Estela Cayón